心 視 攝 影

心 視 攝 影Photography-Sensitive Image through the mind

1982.03.07.柯裕源

在瞬息萬變的現實世界，將某些稍縱即逝的景物與現象，藉著按下快門的瞬間，留下永恆，這是攝影最基本的迷人之處，而攝影藝術的表現，就是那觸動快門的當兒，能將心中的“感覺”配合外在的構成要素，直覺的作出取捨。我們知道，感字從心，覺字從見，法國的名攝影家亨利_卡特布列松 (Henri _Cartier Bresson) 常說:『一個人必須用心和眼去攝影…』，英國名攝影家畢爾_布蘭德 ( Bill_ Brandt) 談及關於攝影家的眼力，也曾說:『…直覺正是創作者反映潛意識的“心靈之眼”，唯有它能看到事物的本質』。所謂心靈視覺即概括了“心見”與“心眼”之藝術創作本質。

心視攝影強調的是心靈視覺的直覺反映，它配合視覺藝術的經驗，與潛意識的映象，更結合了心靈上的想像力、藝術上的表現力，再依「託物移情」而釋出精神性的、與生活性的內涵美感。因此，就心視的藝術觀點來說，攝影不僅僅是停滯於表象的複製，或形式美感的再現，也能深入無法觸摸、無法看見的意象領域，最重要的是還能表現創作者對攝影藝術的體認，對生命的熱愛，更可傳達對人、事、物的關懷，對大環境的期許。

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談攝影要訣

談攝影要訣
1982.05.12.柯裕源
攝影可不是拿起相機按下快門，這麼簡單容易;也絕不像哲學、天文學那麼奧秘又困難。就藝術的觀點來說，一個人如果對攝影藝術點燃了興趣的火花，那就是他藝術生命的萌芽，若他再比別人多加一點點瞭解攝影的要訣，那他的攝影藝術生命，就將開始茁壯了。
在此所說的「要訣」，其實不是什麼「秘訣」，僅是一些很值得提出來的建議或忠告而已。
（一）要在最好的條件下，拍攝具有美感的、且可做為「作品」的主題。
攝影是現實的再現，是記實性、是複製性的照片：而攝影「作品」，則是在最好的條件之下，拍攝具有藝術品味的內容者。何謂最好的條件?
例如： (以35mm SLR相機來說)
1. 最好的鏡頭焦距：
可因題材、因創作上的需要，來找出最適當、最理想的鏡頭焦距。如果以心視的主觀條件，認為只有魚眼鏡頭，才能表現超現實的境界，那麼一般認定的85mm人像鏡頭，自然就不是最好的鏡頭焦距了。至於如何找到最好的鏡頭焦距，來配合題材及創作上的需要？平時可以在家勤練且以多大的物距，需用多長的鏡頭焦距，才能有多大的涵蓋角度?有了確實的認知之後，可方便取景構圖及鏡頭運用，以免臨場不知所措。
2.最好的光圈：
光圈愈大，影像愈容易鬆浮不結實，且景深愈小，色彩也較淡雅：若是光圈愈小，則因光的繞射影嚮，而使「解像力」愈差，景深會愈大，色彩會愈深濃，因此，最好的光圈，就是大家所熟悉的中間光圈f5.6或f8。
3.最好的快門：最好的快門速度是1/250秒左右，但就長鏡頭而言，實際上，應依鏡頭焦距的長度，為快門的速度，如40Omm鏡頭，應選接近400數字的1/500秒，作為快門的速度，依此類推。
4.最好的視點：能發掘被攝體，即踏出了創作上的第一步，但是，視點一再的影嚮這發現，所以：臨場拍攝時，必須前後左右、四面八方地試鏡，以求達到優異作品的最佳視點。
5.最好的角度：將攝影做為反映現實的一種手段，因而成為事物的目擊者，那麼要得到最好的角度，應配合最好的視點與鏡頭的涵蓋角度，選出異常的視覺角度，如蟲眼方式或鳥瞰方式而拍攝。
6.最好的曝光：
因軟片曝光對等律失效的特性，及顏色反射率的問題所加以的修正，或創作上的需要，而使曝光過度或不足，以求色彩的再現，及較豐富的色調層次，這種修正過的曝光，是創作上最好的曝光，也就是最正確的曝光。而TTL所顯示的曝光資料，僅可提供參考而已。
以上大略談了幾點最好的條件。再談到什麼是美感的主題?我們知道，攝影家與其他藝術家，同樣的，對於美感的直覺特別敏銳，他可從人類生活的各個層面，感受特殊的信息，並力求將它表現在作品上，而讓作品發揮了引導社會生活的功能，使觀賞者引起共鳴。
至於美感的主題，則分為形式的及內涵的。若僅是象徵性的藝術形式，雖有作品的構成要素，但其組織原則，只是表象的、外在的技巧表現，這種表現，即是形式的美感。
而精神性的與生活性的美感，屬於內在的、包容的美感，它就是內涵的美感。它是一種情感經驗的互動，及美感經驗的互動，它的藝術創作本質，是人性的、也是對生活的一種感受，對實物與現象的一種關懷，再加上愛心的滋潤，即顯現了內涵的美感。因此，要得到具有美感的主題，無論是形式的，或內涵的，都是不可或缺的。
（二）要在被激動時的瞬間，觸動快門，從此就決定了作品的價值。所以所拍出的作品，一定是作者自己最受感動的。
1.藝術的所謂成為行家與否?最重要的是在於是否具有技巧的表現能力，這種技巧，是屬於較專門性的，也是為藝術創作而準備的。一般藝術創作的最基本要求，就是技巧與精神內涵。也就是包括了上面所談及的直覺的美感、形式的美感以及內涵的美感。當按下快門的一剎那，創作者的心態赤裸裸地表現在作品上，事後的辭彙說明，似乎都成了多餘的修飾。

2.攝影者應該努力的把個人的生活歷練、文學修養、美學理念、精神內涵等等，憑藉熟鍊的技巧，凝聚起來，並在按快門的瞬間，整個的，很完美的釋放出來，這樣所創作的作品，一定是最感動的。如果，在技巧上不甚成熟，又未能將感性的內涵素養融入畫面中，那麼，這是創作上的憾事。
3.筆者曾有一套自我訓練的方法，即將作品分成 A、B、C三級，每隔一段時間，再將它重新分級、篩選，最後，那些百看不厭的作品，就是自己認為可成為"佳作。的候選作品。
（三）作品的構成要素：光、影、色、線、形，若無時空的延續，僅是線形的表現，較難產生更進一步的共鳴。
1.光線是攝影的首要要素，老師傅說：「攝影不能沒有光，沒有光就沒有攝影」。英文攝影PHOTOGRAPH，希臘文光線PHOS、描繪GRAPHO，攝影就是運用光線來描繪的意思。因此，光線是一切平面藝術的精神語言，這是不容否定的。

攝影家使用相機，透過鏡頭創造視覺藝術，與畫家使用畫筆的創作，有異曲同工之美。攝影必需熟悉光的特性，如：光的傳播、光的色彩、光的現象等，並要瞭解光源角度與視點的關係。
2.陰影對於光線的強弱、明暗變化、色調層次都有直接的關係，如：立體感的呈現，不以光線為基準，而是以陰影的效果來衡量，因為有陰影才顯現立體感的物體。作品品質的好壞。多少仰賴於陰影形式的處理，處理得當與否，可影嚮作品的架構問題。
3.色彩的和諧，必須建立在心靈的需要上。依色彩的心理效應來說，很多攝影藝術的創作者，常凝建屬於自己的理論基礎，來闡釋屬於自己的色彩語言與形式的結合。另外，色彩與色溫變化、色相與三原色的光學特性、色彩與顏色情感的問題、光量與色彩明度的強弱等等，幾乎都是攝影工作者所不可忽略的課程。
4.線條的旋律形式，由原始的幾何形式，簡單的線條組合，表現節奏性的律動感：線條的線性透視，與線條的粗細，各有其屬性，一般來說，曲線的屬性，有如流水般，呈現活潑而不安定，且深富律動的美感，也是三度空間與時間流動的高次元表現。線條對於造形具有高度的表現力，一般可根據視覺經驗，藉線條表現「面」與「立體」的意象世界。
5.形式的群集，即線條移動而造成的形式，簡單可分為平面的和曲面的二種，平面存在二度空間，而曲面存在於三度空間。自然界中任何形式的群集，不管寫實或非寫實，抽象的空間或具體的實面，都能像一個物體般地存在著。所以，視覺所見的虛幻光影，與攝影所見的具象景物，兩者之間存在著互動互異的關係。
6.時空的延續，就是時間與空間的延伸。在時間方面，以極長或極短時間來拍攝，可產生肉眼無法經驗到的視覺效果。而以異常的天氣，如晨、昏、雨、霧、颱風天的時間，及春夏秋冬的季節，來找尋特殊的空間透視，這種透視能構成既深遠且有優美感的層次，因而產生三度空間的立體效果。
綜合以上所述，可見線形透視僅是平面無遠近感的二度空間的構圖，如果不加上時空延續所形成的3D立體感，那麼這類攝影作品，就不能算是最完美的。

再說，現代攝影出現了較為特殊的觀念，及創作技巧，就是將時間與空間的畫面，構成交叉重疊的複合現象，強調時空意識與造成意識的創意。使立體空間結合意識領域，而形成四度空間，來突顯作品的內涵。
（四）攝影者的自身要求：1.攝影就像狩獵一樣，要有衝鋒陷陣、要有守株待兔的精神。
2.眼睛要精細的觀察，多運用攝影眼，才能發掘題材，找到主題。
3.腦筋要靈活的思考;要充分發揮自己的想像力。因為想像力，就是攝影創作的基本能力，想像力愈豐富，創作能力就愈旺盛。
4.要用心去體會，隨時保持如椎兒一般，對任何事物都存有驚奇的視覺領域，敏銳的心靈意境。再說，作品的好壞，取決於攝影者的創作能力，不見得在於創作媒材的優劣。
5.攝影要快速敏捷，因為，稍一遲疑耽擱，最佳的一剎那，就再也喚不回了!
6.攝影必須付諸行動，實際的去拍攝，將作品呈現出來。多拍多經驗，不拍不會有作品的產生。東瀛有句話：「攝影是用腳走出來的」。事實上，發現題材時，直覺的：應即刻拍它一張，然後找尋最好的視點，再做最佳的創作。
（五）產生作品的泉源，是精神專注，再加上熟練的技巧反應。
因為精神專注可以讓思考集中，使潛在能力的反應，容易呈現出來。再說技巧，即巧妙的技術較屬於專門性的本領。因為技巧為藝術創作的導演，創作時，主題經技巧的處理，將思想意境完美的表達出來，否則，突顯了作者創作技巧的不成熟。
（六）美的捕捉，隨處可得，攝影創作亦然。
所謂創作，就是創造、製作。一幅好的作品，是賦有藝術的生命力，具有作者的思想和技巧，傳達了創作的意念，同時含有美的特徵。而美的捕捉，在生活的周遭，只要你有一顆敏銳且關懷的心，你將會發現攝影題材隨處都有。依現代藝術的理念來說，攝影不再只是用作再現的手段，或當工具的使用而已，它應該是一種藝術的創作。
（七）一幀優秀的作品，有時，是經過多次失敗經驗的結果得到的。
我們知道，失敗是一次經驗，成功也是一次經驗，無論成功與失敗，僅要多拍即可多得一些經驗，這是屬於自己的經驗。另外，可藉由書籍，或與同好互相切磋等，而得自他人的經驗，以補足自己拙劣之處，如此，可使自己的攝影藝術生涯過得更平坦。
（八）要具有「畫面空間取捨」的能力，否則，將是創作無法避免的致命傷。
若對「畫面空間的取捨」都無法做到，表示自己的構圖能力還不夠，果真如此，那麼在創作的路途上，可要辛苦多了。因為創作技巧是屬於專門性的才能，構圖也較具專門性的，若缺乏這些專門性的本領，即表示自己未達到創作的基礎水平，那麼就很難有創作。因此，可以說若無法做到「畫面空間的取捨」，將是創作的致命傷。

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心視與創作

心視與創作

柯裕源 1993.05.20
英國心理學家法朗西斯‧格統〈Francis Galton〉曾經談到人的思維不是心思就是心視，以語彙式呈現的謂之「心思」，以影像式呈現的謂之「心視」。心視是思維的心理現象，常介於意識和無意識之間，平時潛伏的意念遇到特殊頻率刺激的瞬間，就會浮現出來，呈現一種抽象不離形象的內心視象，它不僅具有形式，也隱含了情感與祈望、智慧與想像等等意象的抽象性內涵，在各專業領域裏，運用這種特殊的心視效應，可達到正面且更積極的成長層面。譬如說，在醫學方面有了美好的心視，就會有開朗的、愉悅的心情，進而增加身心的健康。在科技方面有了心視，科學家們未來的願景，就有了更大的鼓舞與激勵。而心視更是藝術家創作靈感的糧食。
卡特‧布列松的「心眼」與畢爾‧布蘭德的「心靈之眼」，以及心視攝影所強調的「心靈視覺」的直覺反映，都是心視「心智活動」的一部份。就攝影領域來說，潛意識常會適時的釋放一些特殊的心視頻率，這些頻率交織成的影像，既不清晰又很短暫，極易受到外在因素的干擾而幻滅，因此，若無對等的接收頻道，就會失去了所謂感應現象，創作機率就成空，所以創作時必需心無雜念，避免外在因素的干擾，滅少「我執」才能加大內心視象的清晰度，而有利於傑作的完成，由此可見，如何應用心視效應，誠然是一門既深奧又有趣，且又深具意義的學問。
畢爾‧布蘭德憑藉風景的拍攝來反映潛意識的心靈之眼，他欣賞那既有實景的精緻描繪，又浮現似是而非的超現實感，人物更像夢遊一般，真實與虛幻交錯在其中的田園風光作品。而司蒂格利茨認為相機是產生蛻變的機具，他將具象以抽象的畫面表現出來。如此攝影是拍它在作品上形成的樣子，而不是拍它在現實裏的樣子。
心視是一種觀念與想像力所引發的內心視象，它在藝術創作上可以彰顯影像作者的獨特性，在日常生活中，可加添正面且又健康的成功因素，而豐富了生命。當心視創作與藝術創作劃上等號時，創作架構應用心視意識來描寫，而不以攝影特性的物象描寫來觸動快門。心視作者巧妙地運用「託物移情」，把發於有形達於無形的觀點，做為創作的特色，依階段式的步驟累積經驗循序漸進，並著重美學與視覺語言的互動，經形式美感的觸發，達到內涵美感的真實，其影像本質包含了具象，也包含了抽象的表現。
心視內心視象的移情作用，是將內在意象寄託於外在形象，把具象抽象化的一種創作格調，其關鍵在於如何尋覓發掘足可充分寄託內心視象的客體。簡而言之，即是本著影像作者的觀點，架構影像藝術的事實，呈現心視概念的創作。心視創作的主客和諧是顯現影像創作的真實，並達到予求予取的獨特境界，而非自然景物的實錄。藝術界早將表象的真實闡釋為意象的真實。換句話說，抽象的表現較具象的再現更能代表創作的本質，也是現代藝術的潮流。

附註：
人從出生開始，生命中的每一時刻，心視是形影不離的同在，就因消極、脆弱、優柔寡斷、或迷失、我執、造成負面的身心傷害，讓這種與生俱有的潛能因此封鎖，而無法正面善加運用。所以心智活動不只運用在創作上，身心健康上，又可運用於日常生活中，使困難問題得以迎刃而解。最好的解困方法，就是把持一幅清晰又細膩的美好心視，加上自己的信心與恒心，才能美夢成真、心想事成。否則，心理一直認為差人一等，就會真的矮人一截，若一直認為病情惡化，真的就會小病成大病，可見心視的影響力之大。聖經上說：「因為他的心是怎樣思量，他的為人就是怎樣。」〈箴言23--7〉
心視的心智活動是可以學習訓練的，並從實際經驗中領悟出它的奧妙，可以運用在藝術創作上來強化創作的獨特性，它是可以想望，絕不同於外在絢麗世界的依賴，而是以抽象的心智影像〈Mental image〉主觀地詮釋對象，透過敏銳的觀察力與優美的畫面組構能力，及豐富的想像力，展現獨特格調的創作表現。
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【理性與感性的攝影】

理性與感性的攝影

演講者：柯裕源 會長1999.11.9 10:00 Am
　　　

就藝術創作的觀點，或理念的傳達來談，晨曦微光之初臨大地，夕陽霞光彩雲之美，能掌握住這瞬息的照片，雖然得之不易，卻似拍攝少數民族的人像記錄。又與你聰明我傻瓜的邊緣族群，認為影像是到此一遊的記念照亳無兩樣。在和平島、在龍畸月世界等地，所捕捉到的奇岩異石、泥地風光，也都是一種記實性的表達。浪漫主義雕刻大師羅丹說：「藝術是表現而不是再現，藝術最重要的是表現作者的風格。」拍攝者若僅注意瞬間的掌握，採取守株特兔式的等待，未免太被動又少創意。所捕捉到的畫面，往往只充滿記錄性而缺乏藝術性。若想要踏上藝術創作的領域。那還是需要再花點心思。

　　
攝影藝術是憑藉心靈的巧思，將完整的內在感受、透過意象語彙，及專業攝影技術，呈現於作品的整個創作過程，而不是單單著眼於最後秀出來的那一幅照片。任何相機都可以拍什麼像什麼，拍誰就像誰，這是它的特性。可是，要進入拍花不像花，拍樹不像樹的境界，就沒那麼簡單容易了。我個人就有這樣的體認。由於主觀意識的關係，常常在實驗性的製作過程中，顛覆攝影的特性，但是，雖累積多年的經驗，又加上專業技術的輔助，覺得若針對藝術來說，這樣還是不夠，因為專業技術雖然不可或缺，其實，攝影思維的表現，才是真正決定作品良窳的關鍵。所以攝影思維、技巧、經驗三者是相輔相成的。換句話說，攝影創作最重要的，就是要能反映創作者的觀察力與想像力、思考力與創造力，其次才是學而知的攝影技巧，與行而知的攝影經驗。
　　
義大利美學家、哲學家克羅齊提倡直覺說，他說：「人可以將直覺的意象留存在心理」。他所謂的直覺，是一種覺知能力。人可以憑直覺，超越思維邏輯，來反映主客和諧的關係，這種和諧關係，可以說就是一種美。若以直覺反映美的意境，就如同觸電似的僅需一次，若經思考，則需一次再一次，這就是理性與感性的反應差異，也才有了「要跟著心走，勿跟著腦走」的話語。我們知道，感字從心，覺字從見，法國名攝影家亨利‧卡特-布列松說：「一個人必須用心和眼去攝影…」，英國名攝影家畢爾‧布蘭德談及關於攝影家的眼力，也曾說「…直覺正是創作者反映潛意識的心靈之眼，唯有它能看到事物的本質」。心靈視覺即概括了「心見」與「心眼」。心視攝影就是本著影像作者的觀點，架構影像藝術的事實，呈現心視概念的攝影創作。所謂影像作者，是指以藝術性創作為優先的影像工作者。他們秉持 Sensitive Image through the mind ，強調的是心靈的直覺，他們認為影像的解析與架構、影像的創造與製作，若要能隨意的達到予求予取的境界，就需以作者的角度來思考，來架構影像創作的真實，而不是自然景物的實錄。希臘哲學家蘇格拉底說：「藝術不應奴隸似地臨摹自然，而應在自然形體中選出一些要素，構成一個極美的整體」。


　　 真實性（Reality)是攝影的一大特性，隨著大環境因素的改變，藝術工作者對於攝影的真實性，漸漸的由表象的真實解讀為意象的真實。換句話說，藝術創作著重的不是「真實」與「虛構」的問題，而是傾向於作品本身是否能讓觀賞者產生震驚（Shock），並隨即牽引各種情緒反應的互動。一般來說，自主性愈高的作品，其思維空間愈是寬廣而深遠，也愈能引發共鳴。通俗的觀念大都把攝影當記錄工具，暗示著不會思考的形式，僅做觀賞者的見證，缺乏影像的概念與認知，以致有關攝影方面的探討與訴求，幾乎完全以器材是否為極品來做標的。而且僅重視技術性的表現，認為傻瓜相機所扮演的角色，只是一種訊息的傳達，形成「誰在看？」，「誰在拍？」的模糊現象。這類的攝影，僅能說是按快門的照像，談不上是影像創作。有句廣告詞說：「…即使是讓一位傻瓜來拍攝也會張張精彩、張張成功。」事實上，拍攝者若亳無攝影技術與概念，可能無法完成拍攝上的最起碼要求。
　　
就影像的呈現方式來說，照像的形式與「造像」的思維，所指的就是表象形式與意象內涵的表現。如何以有形的攝影特性，來表現無形的意境內涵，可以說是攝影創作上蠻重要的課題。譬如montage攝影，它源自矯飾（Manipulate）的概念，可以透過意象的語彙，以虛擬、造像、托物移情、編導等技法呈現意境內涵，或以隱喻的方式、或符號、線條、色彩、造形、光影等等模擬再現心靈意境。在創作的過程中，montage不當主角，也不是目的，是因為意念與表達的需要，才加以運用，所以說，不是為montage而montage。像這種為了詮釋影像作者哲理所凝聚的影像，不屬於表象的裝飾，照片也可能只是創作過程中的構成要素之一，並不是創作的唯一終點。除了montage之外，像Masking、Collage、Frottage(Rubbing）等等都能使影像以有形的攝影特性，來呈現無形的意境內涵。
　　
同樣的，攝影作品展出的方法也在修整，甚至將展出的動向融入作品的內容中。對作品的認知，也從平面走入空間。裝置藝術、觀念藝術等都成了這股新潮流的寵兒。而且，由於電腦、數位影像等多元化、多功能的媒材漸趨普遍，以致在創作的觀念上有所突破，認為攝影不再是「專業化」，而是「指令化」。因此，作者在美學上與精神上的訴求層次，幾乎是論斷一幅照片是否成為藝術作品的依歸。
　　
依我個人經驗，會發掘攝影特性的異常現象，在攝影創作過程中，更會出現很多的可變因素，每一種可變因素，都可能是創新的契機，都可能是實驗的變數。從實驗中深深體會到，創作就是要將個人的情感、藝術思維、藝術哲理及技藝特點，經常不斷的在作品裏呈現出來，才能樹立個人獨特的風格。
　　
通常藝術作品的架構，必需有主角與配角的呼應，前景與背景的遠近層次，以及空間感與透視感等等。但是，新造型主義畫家蒙德利安的作品，幾乎完全顛覆了這種概念。他從自然具象的角度，透過簡化的過程，傳達了觀賞的方式，打破了寫實永遠是具象的觀念。達達主義畫家杜象的藝術表現，來自生活，採用尖銳性的材質，大大的誇張了創作觀點與材質特性的結合。他影響了美學的經驗，注入了概念形式的省思，促進了創作觀念的活潑化及可塑性。
　　
綜合以上所談的，我們可以這樣說，只要具有理性的攝影概念，及感性的攝影思維，再加上熟練的攝影技巧，就不難在生活的周遭，隨意的尋覓到攝影創作的泉源。藝術攝影作品首重創意，無論在美學、思想、技藝、意識形態各方面，都需具備創造性、啟發性、批判性等等，才可能成為經典之作。而且，創作是需要跟隨時代的巨輪、環境的脈動、社會的關懷、人文的變遷、以及媒材的多樣化等作相關性的調適，如此，攝影藝術才能日新又新、生生不息。


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