談攝影要訣

談攝影要訣
1982.05.12.柯裕源
攝影可不是拿起相機按下快門，這麼簡單容易;也絕不像哲學、天文學那麼奧秘又困難。就藝術的觀點來說，一個人如果對攝影藝術點燃了興趣的火花，那就是他藝術生命的萌芽，若他再比別人多加一點點瞭解攝影的要訣，那他的攝影藝術生命，就將開始茁壯了。
在此所說的「要訣」，其實不是什麼「秘訣」，僅是一些很值得提出來的建議或忠告而已。
（一）要在最好的條件下，拍攝具有美感的、且可做為「作品」的主題。
攝影是現實的再現，是記實性、是複製性的照片：而攝影「作品」，則是在最好的條件之下，拍攝具有藝術品味的內容者。何謂最好的條件?
例如： (以35mm SLR相機來說)
1. 最好的鏡頭焦距：
可因題材、因創作上的需要，來找出最適當、最理想的鏡頭焦距。如果以心視的主觀條件，認為只有魚眼鏡頭，才能表現超現實的境界，那麼一般認定的85mm人像鏡頭，自然就不是最好的鏡頭焦距了。至於如何找到最好的鏡頭焦距，來配合題材及創作上的需要？平時可以在家勤練且以多大的物距，需用多長的鏡頭焦距，才能有多大的涵蓋角度?有了確實的認知之後，可方便取景構圖及鏡頭運用，以免臨場不知所措。
2.最好的光圈：
光圈愈大，影像愈容易鬆浮不結實，且景深愈小，色彩也較淡雅：若是光圈愈小，則因光的繞射影嚮，而使「解像力」愈差，景深會愈大，色彩會愈深濃，因此，最好的光圈，就是大家所熟悉的中間光圈f5.6或f8。
3.最好的快門：最好的快門速度是1/250秒左右，但就長鏡頭而言，實際上，應依鏡頭焦距的長度，為快門的速度，如40Omm鏡頭，應選接近400數字的1/500秒，作為快門的速度，依此類推。
4.最好的視點：能發掘被攝體，即踏出了創作上的第一步，但是，視點一再的影嚮這發現，所以：臨場拍攝時，必須前後左右、四面八方地試鏡，以求達到優異作品的最佳視點。
5.最好的角度：將攝影做為反映現實的一種手段，因而成為事物的目擊者，那麼要得到最好的角度，應配合最好的視點與鏡頭的涵蓋角度，選出異常的視覺角度，如蟲眼方式或鳥瞰方式而拍攝。
6.最好的曝光：
因軟片曝光對等律失效的特性，及顏色反射率的問題所加以的修正，或創作上的需要，而使曝光過度或不足，以求色彩的再現，及較豐富的色調層次，這種修正過的曝光，是創作上最好的曝光，也就是最正確的曝光。而TTL所顯示的曝光資料，僅可提供參考而已。
以上大略談了幾點最好的條件。再談到什麼是美感的主題?我們知道，攝影家與其他藝術家，同樣的，對於美感的直覺特別敏銳，他可從人類生活的各個層面，感受特殊的信息，並力求將它表現在作品上，而讓作品發揮了引導社會生活的功能，使觀賞者引起共鳴。
至於美感的主題，則分為形式的及內涵的。若僅是象徵性的藝術形式，雖有作品的構成要素，但其組織原則，只是表象的、外在的技巧表現，這種表現，即是形式的美感。
而精神性的與生活性的美感，屬於內在的、包容的美感，它就是內涵的美感。它是一種情感經驗的互動，及美感經驗的互動，它的藝術創作本質，是人性的、也是對生活的一種感受，對實物與現象的一種關懷，再加上愛心的滋潤，即顯現了內涵的美感。因此，要得到具有美感的主題，無論是形式的，或內涵的，都是不可或缺的。
（二）要在被激動時的瞬間，觸動快門，從此就決定了作品的價值。所以所拍出的作品，一定是作者自己最受感動的。
1.藝術的所謂成為行家與否?最重要的是在於是否具有技巧的表現能力，這種技巧，是屬於較專門性的，也是為藝術創作而準備的。一般藝術創作的最基本要求，就是技巧與精神內涵。也就是包括了上面所談及的直覺的美感、形式的美感以及內涵的美感。當按下快門的一剎那，創作者的心態赤裸裸地表現在作品上，事後的辭彙說明，似乎都成了多餘的修飾。

2.攝影者應該努力的把個人的生活歷練、文學修養、美學理念、精神內涵等等，憑藉熟鍊的技巧，凝聚起來，並在按快門的瞬間，整個的，很完美的釋放出來，這樣所創作的作品，一定是最感動的。如果，在技巧上不甚成熟，又未能將感性的內涵素養融入畫面中，那麼，這是創作上的憾事。
3.筆者曾有一套自我訓練的方法，即將作品分成 A、B、C三級，每隔一段時間，再將它重新分級、篩選，最後，那些百看不厭的作品，就是自己認為可成為"佳作。的候選作品。
（三）作品的構成要素：光、影、色、線、形，若無時空的延續，僅是線形的表現，較難產生更進一步的共鳴。
1.光線是攝影的首要要素，老師傅說：「攝影不能沒有光，沒有光就沒有攝影」。英文攝影PHOTOGRAPH，希臘文光線PHOS、描繪GRAPHO，攝影就是運用光線來描繪的意思。因此，光線是一切平面藝術的精神語言，這是不容否定的。

攝影家使用相機，透過鏡頭創造視覺藝術，與畫家使用畫筆的創作，有異曲同工之美。攝影必需熟悉光的特性，如：光的傳播、光的色彩、光的現象等，並要瞭解光源角度與視點的關係。
2.陰影對於光線的強弱、明暗變化、色調層次都有直接的關係，如：立體感的呈現，不以光線為基準，而是以陰影的效果來衡量，因為有陰影才顯現立體感的物體。作品品質的好壞。多少仰賴於陰影形式的處理，處理得當與否，可影嚮作品的架構問題。
3.色彩的和諧，必須建立在心靈的需要上。依色彩的心理效應來說，很多攝影藝術的創作者，常凝建屬於自己的理論基礎，來闡釋屬於自己的色彩語言與形式的結合。另外，色彩與色溫變化、色相與三原色的光學特性、色彩與顏色情感的問題、光量與色彩明度的強弱等等，幾乎都是攝影工作者所不可忽略的課程。
4.線條的旋律形式，由原始的幾何形式，簡單的線條組合，表現節奏性的律動感：線條的線性透視，與線條的粗細，各有其屬性，一般來說，曲線的屬性，有如流水般，呈現活潑而不安定，且深富律動的美感，也是三度空間與時間流動的高次元表現。線條對於造形具有高度的表現力，一般可根據視覺經驗，藉線條表現「面」與「立體」的意象世界。
5.形式的群集，即線條移動而造成的形式，簡單可分為平面的和曲面的二種，平面存在二度空間，而曲面存在於三度空間。自然界中任何形式的群集，不管寫實或非寫實，抽象的空間或具體的實面，都能像一個物體般地存在著。所以，視覺所見的虛幻光影，與攝影所見的具象景物，兩者之間存在著互動互異的關係。
6.時空的延續，就是時間與空間的延伸。在時間方面，以極長或極短時間來拍攝，可產生肉眼無法經驗到的視覺效果。而以異常的天氣，如晨、昏、雨、霧、颱風天的時間，及春夏秋冬的季節，來找尋特殊的空間透視，這種透視能構成既深遠且有優美感的層次，因而產生三度空間的立體效果。
綜合以上所述，可見線形透視僅是平面無遠近感的二度空間的構圖，如果不加上時空延續所形成的3D立體感，那麼這類攝影作品，就不能算是最完美的。

再說，現代攝影出現了較為特殊的觀念，及創作技巧，就是將時間與空間的畫面，構成交叉重疊的複合現象，強調時空意識與造成意識的創意。使立體空間結合意識領域，而形成四度空間，來突顯作品的內涵。
（四）攝影者的自身要求：1.攝影就像狩獵一樣，要有衝鋒陷陣、要有守株待兔的精神。
2.眼睛要精細的觀察，多運用攝影眼，才能發掘題材，找到主題。
3.腦筋要靈活的思考;要充分發揮自己的想像力。因為想像力，就是攝影創作的基本能力，想像力愈豐富，創作能力就愈旺盛。
4.要用心去體會，隨時保持如椎兒一般，對任何事物都存有驚奇的視覺領域，敏銳的心靈意境。再說，作品的好壞，取決於攝影者的創作能力，不見得在於創作媒材的優劣。
5.攝影要快速敏捷，因為，稍一遲疑耽擱，最佳的一剎那，就再也喚不回了!
6.攝影必須付諸行動，實際的去拍攝，將作品呈現出來。多拍多經驗，不拍不會有作品的產生。東瀛有句話：「攝影是用腳走出來的」。事實上，發現題材時，直覺的：應即刻拍它一張，然後找尋最好的視點，再做最佳的創作。
（五）產生作品的泉源，是精神專注，再加上熟練的技巧反應。
因為精神專注可以讓思考集中，使潛在能力的反應，容易呈現出來。再說技巧，即巧妙的技術較屬於專門性的本領。因為技巧為藝術創作的導演，創作時，主題經技巧的處理，將思想意境完美的表達出來，否則，突顯了作者創作技巧的不成熟。
（六）美的捕捉，隨處可得，攝影創作亦然。
所謂創作，就是創造、製作。一幅好的作品，是賦有藝術的生命力，具有作者的思想和技巧，傳達了創作的意念，同時含有美的特徵。而美的捕捉，在生活的周遭，只要你有一顆敏銳且關懷的心，你將會發現攝影題材隨處都有。依現代藝術的理念來說，攝影不再只是用作再現的手段，或當工具的使用而已，它應該是一種藝術的創作。
（七）一幀優秀的作品，有時，是經過多次失敗經驗的結果得到的。
我們知道，失敗是一次經驗，成功也是一次經驗，無論成功與失敗，僅要多拍即可多得一些經驗，這是屬於自己的經驗。另外，可藉由書籍，或與同好互相切磋等，而得自他人的經驗，以補足自己拙劣之處，如此，可使自己的攝影藝術生涯過得更平坦。
（八）要具有「畫面空間取捨」的能力，否則，將是創作無法避免的致命傷。
若對「畫面空間的取捨」都無法做到，表示自己的構圖能力還不夠，果真如此，那麼在創作的路途上，可要辛苦多了。因為創作技巧是屬於專門性的才能，構圖也較具專門性的，若缺乏這些專門性的本領，即表示自己未達到創作的基礎水平，那麼就很難有創作。因此，可以說若無法做到「畫面空間的取捨」，將是創作的致命傷。

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